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sábado, 20 de julio de 2013

Estudio de caso, Arteterapia y Educación: La creación como medio comunicativo de la sordera y sus dificultades de apego


“A la persona con discapacidad se le pide menos que se exprese y más que se normalice y esto es todavía más evidente cuando la actividad artística se sitúa precisamente en el campo de su discapacidad”
Jean-Pierre Klei



Introducción

En estas cortas líneas, daré a conocer mi primer acercamiento al Arteterapia en un contexto educativo diferencial.  El colegio donde realicé el análisis  terapéutico  a Través del arte, es un establecimiento escolar que atiende a niños y niñas con discapacidad auditiva. No puedo dejar de mencionar que al encontrarme en este contexto educativo para sordos, me fue necesario comprender que existen escasas escuelas que atienden de forma real la sordera y los problemas que derivan de ello, debido a esto la mayoría de los Establecimientos Educacionales se entrampan en  lograr efectividad a través de la lengua de señas, situación que no es discutible ya que es un medio de comunicación que permite conocer el mundo de estos maravillosos niños y niñas. La situación anteriormente descrita, a mi entender, conlleva a la dificultad de observación integral de los niños y niñas sordas dejando de lado lo esencial de ellos y sus dificultades. Este estudio de caso es de un niño de siete años, en el cual se realizaron ocho sesiones por lo cual no existe un tratamiento, sino que una constatación de sus dificultades de adaptación en el aula.
El colegio Diferencial en donde se realiza la pre -práctica, es un establecimiento que no cuenta con un profesional Arteterapeuta, sin embargo, desde hace unos años se ha incorporado una mirada más integral de la educación especial para sordos. Esta situación abre una puerta importante a la integración de especialistas que aborden las necesidades de los niños del establecimiento con una mirada diferente, la que sin duda constituye un aporte en el abordaje de diferentes problemáticas presentadas por estos.
El Colegio al que asiste L. posee una propuesta metodológica que está enmarcada en los cambios que proponía la Reforma Educativa que impulsó el MINEDUC con el Decreto Nº 40. Produciendo una serie de transformaciones pedagógicas, las que tras un análisis profesional se concretizaron en una metodología original denominada SIANCOV (sistémica, analógica, comunicacional, verbal), la cual se sustenta en la Teoría de la Biología del Amor del Dr. Humberto Maturana concibiendo al alumno sordo como sistema biológico, generando la expresión de sus potencialidades y el desarrollo de aprendizajes en y a través del lenguaje.
La comprensión del Paciente no debe partir desde su problemática sino que desde la comprensión de su mundo y de las habilidades que él puede ir desarrollando. Gardener (1990) enfatiza en cultivar las “inteligencias múltiples” en los niños. Él insiste en la protección de la simbolización artística como la más preciosa forma del pensar.


Antecedentes del caso
L. es un niño que nace el 18 de abril del año 2005, cursa primero básico, estudia en un Colegio para niños y niñas con discapacidad auditiva. Su motivo de consulta es producto de las conductas disruptivas, explosivas e impredecibles que presenta en el colegio. Es el tercer hijo; sus hermanos mayores, fallecieron al momento del parto y  tiene una hermana pequeña de 6 años.
El nacimiento de L  se produce de manera prematura a las 29 semanas, debido a rotura de bolsa en la semana 26. Se menciona que durante el embarazo la madre presentó afecciones nerviosas. El parto es espontáneo y se produce por vía vaginal. El menor pesa 1 kilo 402 grs. Y mide 37 cms. Su apgar es 2-6-7. Presenta ictericia para la cual recibe “tratamiento natural”. Debido a su condición de prematuro permanece en incubadora por 3 meses. Producto de todo este cuadro médico L  no recibió lactancia materna en el hospital mientras se encontraba hospitalizado, luego que regresó a su casa la madre le dio pecho hasta los 7 meses. A pesar de lo anterior, los detalles del parto no quedan totalmente claros, ya que hay documentos que dicen que recibió lactancia y otros que no la recibió. 
Durante los  3 meses de  hospitalización  fue operado 7 veces, se realizaron infiltraciones y se instaló una válvula cerebral. Actualmente L. en ocasiones ha presentado trastornos del sueño con terrores nocturnos por esta razón la madre duerme con él y tienen una visita pendiente al neurólogo.
En el colegio, es un niño que coopera y demuestra interés en las actividades, pero en ocasiones tiene cambios de humor drásticos, hay conductas explosivas, llora con facilidad y frecuentemente.


Arteterapia, en la sala de clases

Las Sesiones de Arteterapia fueron ocho. La  primera fue con sus padres, en  donde se pudo apreciar que la madre no ha concluido un  tratamiento por depresión.  Se observa, de forma latente el conflicto familiar producto de la muerte de los mellizos ya que los padres deciden que los hijos vivos reciban los nombre de los niños fallecidos.
En el  primer encuentro se observa que L comprende bastante información auditiva visual y hace uso funcional de las interacciones en el contexto cotidiano. Se comunica con un habla inteligible a nivel de frases y oraciones sencillas. En cuanto a su motricidad fina, si bien logra realizar las actividades, muestra un leve temblor manual que le dificulta una mayor precisión.  
Durante las siguientes sesiones el setting se encuentra dispuesto con los materiales a la vista y ordenados por categoría. Comprendiendo las características de L.  se utilizó un lenguaje simple y claro  además, se le informa que este será un espacio para  él, en donde tendrá la libertad para hablar los temas que  desee. Establecí según mis observaciones tres fases, según lo estudiado por otros expertos en el proceso terapéutico:
Fase Inicial: Conocí el motivo de consulta, necesidades y requerimientos de L. definiendo los objetivos de la terapia. Además establecí el primer contacto y familiarización de L. frente a los  diversos materiales y comenzamos a formar el vínculo terapéutico. Esto ocurrió durante las dos primeras sesiones.
Fase Intermedia: Desarrollamos actividades terapéuticas (gráficas y plásticas) de elección de L. que me permitieron agudizar mis observaciones terapéuticas de  la expresión de sus emociones, sentimientos, deseos, conflictos e interacciones con su medio. Esto ocurrió en las sesiones 3, 4, 5  y 6.
Fase Final: Esta fue destinada al análisis, evaluación y conclusión de las experiencias vividas en el transcurso de las 8 sesiones de Arteterapia. En esta etapa, se preparó a L. para la finalización de la terapia y para la separación con el terapeuta, lo que ocurrió en las sesiones 7 y 8.

 CONCLUSIONES

A través de este proceso Arteterapéutico insertado en un contexto escolar de educación especial, constate la forma en que los objetivos de la educación y los de esta especialidad se relacionan bajo una misma línea. Por ello considero que es importante seguir fortaleciendo la inclusión del  Arteterapia a la educación.
La relación de apego que se establece entre L.  a través de las sesiones de Arteterapia resultó progresiva en la medida en que se desarrolló el proceso.  Existieron varios episodios donde  no logramos que nuestro vínculo se afianzara,  especialmente en las tres primeras sesiones. El apego se  generó  a partir de la elaboración de las obras y en la medida, en que este trabajo previo me permitió apoyarlo en el proceso. A  medida que el vínculo se hizo más consistente  L.  Logró verbalizaciones espontáneas y mayor interacción en un proceso que en un comienzo resultaba silencioso y donde L,  no era capaz de solicitar ayuda. Pero la circunstancia, de que yo trabajo en este mismo establecimiento, permitió a L. lograr una mayor cercanía fuera de las sesiones, por ejemplo cuando me encontraba en otros espacios como el recreo, en un comienzo se acercaba para saludarme  o pedirme materiales para la siguiente sesión.
Cabe destacar que dentro del proceso arteterapeutico, logré evidenciar que afloraron temáticas  profundas dentro de su proceso, como por ejemplo: su incapacidad de establecer vínculo con los otros, situación que lo hacía  interrumpir  las sesiones evitando la intimidad, y otro ejemplo de esto es el trabajo que realizó con desechos construyendo un cohete donde  abordaba la temática de su familia, esto me hizo reflexionar,  replantear mí quehacer y los objetivos que en un comienzo establecí para trabajar con él, sin embargo, en espacios de supervisión [1]  revisamos y re encuadramos el objetivo de esta pre- práctica, la cual por la cantidad de sesiones no permite indagar en temáticas más profundas.
Respecto a las evidencias del trabajo de L.  se puede observar, cómo al interior del taller se comprueban cada vez más actitudes  que indican mayor grado de autonomía, por ejemplo, cuando se enfrenta a la selección de sus materiales para instalar en sus obras, ya que en un comienzo era más inseguro y con el paso del tiempo logra tener seguridad al momento de elegir. Otro cambio de actitud fue como establecía la  relación con sus obras;  las comienza a manipular con más cuidado es capaz de solicitar ayuda cuando estima conveniente. Otro indicador del avance del proceso es la postura que L. asume al momento de elaborar sus obras; ya que desde la timidez inicial, posteriormente, dio paso al movimiento y a la elaboración de objetivos para la realización de sus obras, permitiendo paulatinamente empoderarse de este espacio situación que significó un gran avance para el paciente y me dio una gran satisfacción profesional y personal.

 Catherine Sepúlveda 



V BIBLIOGRAFÍA

BOWLBY, John. El apego y la pérdida I. Barcelona, Editorial Paidos, 1998.

KRAMER, Edith. Terapia a través del arte en una comunidad infantil. Argentina, Editorial Kapelusz, 1982.

WINNICOTT, Donald W. La Familia y el desarrollo del individuo. Cuarta Edición, Buenos Aires, Ediciones Hormé, 1995.


Información Electrónica:

CALLEJÓN, CH. M. Dolores, Granados, C. I. María. Creatividad, expresión y arte: terapia para una educación del siglo XXI. [en línea] Escuela Abierta: Revista de Investigación Educativa. Año 2003, N° 6. http://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=787691 [consulta: 2 de marzo de 2011]


SASSENFELD, André. Comunicación no verbal, regulación afectiva y cuerpo en psicoterapia. [en línea] Psicoterapia Corporal Relacional, Chile. www.cuerporelacional.cl/articulos/comunicacion_noverbal.pdf



FERNANDO PINTO L, Rev Chil Pediatr 2007; 78 (Supl 1): 96-102, Apego y lactancia natural







[1] Revisión que se realizó vía electrónica y en clases, además me permitió indagar en el tema de apego y como propiciarle a L.P mejor vínculo terapéutico en base a lo que él necesita.

viernes, 12 de julio de 2013

Arteterapia y Educación, una forma de crear conciencia


En este breve artículo tomaremos como base teórica a dos autores, que abordan el tema del Arteterapia de manera significativa. La primera es M. Klein que se destaca en su  trabajo con el juego simbólico  y el segundo Winnicot  por sus aportaciones sobre el espacio potencial y el objeto transcional; a partir de las investigaciones de estos expertos analizaré el aporte del Arteterapia en la educación.

En la actualidad el sistema educativo se ha centrado en la educación cognitiva dejando de lado el desarrollo de las emociones y los afectos, lo que queda en evidencia en la aplicación de referentes teóricos educativos, como la psicología cognitiva y las teorías del desarrollo cognitivo, situación que ha llevado a la educación a construir herramientas que abordan solo un aspecto del desarrollo del ser humano. En parte, es por ello que se produce la concepción desafortunada de la educación artística. Tristemente se toma como un pasatiempo o, lo que es peor, como pérdida de tiempo en la formación de los niños y niñas.  Este contexto  ha permitido y le ha quitado validez y ha restado importancia al verdadero aporte que es el Arte en la educación. El arte permite la formación integral de las personas, desarrolla el poder comunicativo de los individuos con su entorno.

Como profesional de la Educación me interesa analizar el arte como experiencia y proceso, lo cual implica también visualizar el arte como comunicación, como una disciplina que ayuda a  relacionarse con el mundo. El punto central de mi observación, es la dificultad para el acceso a los aprendizajes que la institución educativa ofrece, a todos los niños y niñas  teniendo en cuenta su diversidad, entiendo que este supuesto no se está cumpliendo. A mi parecer en ocasiones, estas dificultades en el aula tienen mucho que ver con la manera que poseen los estudiantes para relacionarse con el mundo y con los otros.  En este punto, es importante resaltar la importancia del arte como un vehículo valioso de comunicación y expresión, para que estos niños y niñas que presentan dificultades para adaptarse a este sistema educativo, puedan acceder al aprendizaje. El ofrecer otras posibilidades de expresión a estos estudiantes también nos permite a nosotros poder comprenderles y, por ende propender  un aprendizaje y una formación más integral.

El arte es fundamental en el desarrollo de las personas y por esta razón debe estar y tener una importancia acorde, en la educación. Dissanayaque, en 1988 le atribuye al arte ocho funciones que confirman su aporte en la escuela:
·       “Refleja o hace de caja de resonancia del mundo natural del que forma parte.
·       Es terapéutico. Ya que la creación nos produce bienestar en tanto que “liberamos” de alguna manera nuestros conflictos interiores y les damos significado a través de la obra producida.
·        Posibilita la experiencia natural directa. En tanto que nos facilita la toma de contacto con cosas de carácter trascendental o sensual que pasaríamos por alto dentro de nuestra “rutina” diaria.
·        Entrena nuestra percepción de la realidad. En muchas culturas se considera que el arte prepara de alguna manera para las vicisitudes de la vida al ejercitarnos a través de imágenes que nos muestran el mundo y la vida.
·       Ayuda a ordenar el mundo.
· Puede ejercer una deshabituación. En el sentido de que las reacciones que el arte provoca en nosotros pueden ser desconocidas o inusuales hasta el momento por nuestra propia experiencia.
·       Ofrece una sensación de sentido o trascendencia o intensidad a la vida.
·       Es un medio de comunión y de comunicación. El arte nos pone en contacto con los otros, lo cual contribuye a la convivencia y la solidaridad”. [1]
Este soporte que el arte proporciona al sistema educativo proporciona a su vez herramientas, que permiten llevar a cabo una educación integral en la escuela. Estas herramientas nos ayudan a realizar tareas, tanto de aprendizaje del mundo interno, como del mundo social inmediato de niñas y niños.

El Arteterapia, por su parte, puede ayudar a desarrollar y valorar las relaciones interpersonales, el bienestar personal, la autoestima, la comunicación, y el auto-conocimiento. Todo esto debe ocurrir dentro de un marco seguro para la reflexión, dentro de un espacio de escucha y diálogo propicio para la libre expresión; sin juicios ni críticas. Es en este espacio en donde se pueden dejar fluir las emociones; asumir responsabilidades, potenciar la creatividad, y convertirnos en seres únicos e irrepetibles.

En 1980 Schelling planteaba que “si bien la filosofía alcanza niveles muy elevados de conocimiento, lo hace en algunos ámbitos del ser humano. El arte, en cambio, alcanza a la persona en su totalidad y la acerca a las dimensiones más altas de entendimiento. Por este motivo se explica la enorme diversidad y eternidad de la expresión artística”.

En base a estas observaciones se puede decir, que esta disciplina terapéutica que emplea al arte, contribuye a tomar y formar conciencia. El Arteterapia, como  su propio nombre lo indica, es una terapia fundamentada en la utilización del arte, con la intención de acercar los sentimientos inconscientes a un nivel de conciencia para poder explorarlos. A través de las imágenes y del juego simbólico se puede expresar una gran variedad de situaciones emocionales. En ocasiones los escolares tienen fantasías de cosas que jamás sucedieron en verdad. Sin embargo, para ellos son muy reales y a menudo las guardan dentro de sí, lo que a veces lleva a que su comportamiento no sea totalmente comprendido.

Si damos por aceptadas las premisas mencionadas más arriba, podremos valorar correctamente la creación de espacios suficientemente seguros, donde se pueda acceder a la creación de imágenes espontáneas que, nacidas del inconsciente, pueden contener los conflictos, actuando de esta manera no sólo como material para ser analizado, sino que también, como un comunicante de emociones que muchas veces no logran ser bien manejadas, y es a partir de este proceso creativo donde quedan al descubierto los conflictos de cada persona, produciéndose  espontáneamente el proceso curativo.

Como mencioné al comienzo, los dos autores seleccionados para este trabajo; M. Klein y D. Winnicott, fundamentan la necesidad de incluir la mirada terapéutica del arte en la adquisición de conciencia  de los escolares.  Klein fue una de las primeras estudiosas del tema que contempló y aceptó el juego como posible material y técnica en el psicoanálisis de niños y niñas. Ella proyectaba que “a través del juego simbólico se pueden expresar una gran variedad de situaciones emocionales: por ejemplo, situaciones de frustración y rechazo; celos, placer, amor, odio, ansiedad, sentimientos de culpa, etc. De la misma forma, a través de la terapia, se manifiestan la repetición de experiencias reales y detalles de la vida de todos los días, frecuentemente entretejidos con las fantasías”[2].

Otra mirada relevante a esta disciplina es la de  Winnicott, quien plantea que "El juego es por sí mismo una terapia. Cuando niñas y niños juegan, tiene que haber personas responsables cerca, sin que ello quiera decir que tengan que intervenir en el juego. Cuando el juego no es posible, la labor del terapeuta se orienta a llevar al paciente, de un estado en que no puede jugar a uno en que le es posible hacerlo”[3]. Estos dos enfoques permitieron, desde mi punto de vista el inicio de una mirada más reflexiva del uso pedagógico del arte, y que ayuda a desarrollar la capacidad de hacer consciente lo inconsciente.

Para muchos de quienes trabajamos en el ámbito educativo, resulta claro que los grandes conflictos de los docentes no responden tanto a la variabilidad de las capacidades intelectuales de los escolares, si no que al flujo de las necesidades emocionales de los alumnos. A partir de ello es posible reflexionar sobre el cambio del paradigma de la educación, como indica en 1995 Hargreaves; la institución escolar, como parte fundamental del sistema educativo,  mantuvo inmutable su estructura modernista, frente a un entorno sociológico posmoderno.

Al mismo tiempo, el Arteterapia tiene mucho que ver con el juego; componente esencial del aprendizaje infantil, por lo que no resulta nada imprudente o ilógico proponer aunar ambas potencialidades, juego y arte, en el ámbito educativo para desarrollar una educación completa y motivadora para los niños y las niñas. La inclusión del Arteterapia en la escuela, construye una escuela para todos. La escuela debe convertirse en un escenario en que niños y niñas sean capaces de construir  su propio aprendizaje al mismo tiempo que construyen su propia identidad: un sujeto que se conoce y se cuestiona, es capaz de adaptarse a su medio, pero de manera crítica.

En conclusión permitir el desarrollo y la autorrealización de una persona, colabora de manera significativa y decidora en la obtención de seres sanos, y ese, debería ser el objetivo primordial de la educación.

Catherine Sepúlveda Cáceres



Bibliografía

Klein, Melanie. Obras completas. La técnica psicoanalítica del juego: su historia y
significado. Paidós. Buenos Aires 1965.

Winnicot t, D. W. Realidad y juego. Gedisa editorial. Barcelona 2002.

DISSANAYAKE, E.  ¿Para qué sirve el arte? Seattle. Universidad de Washington Press. 1988





[1] DISSANAYAKE, E. (1988). ¿Para qué sirve el arte? Seattle. Universidad de Washington Press.

[2] Klein, Melanie. Obras completas. La técnica psicoanalítica del juego: su historia y
significado. Paidós. Buenos Aires 1965.

[3] Winnicot t, D. W. Realidad y juego. Gedisa editorial. Barcelona 2002.

domingo, 7 de julio de 2013

Arteterapia para Niños y Adolescentes


Breve Contexto Histórico del Arteterapia.


 Para comprender el origen de esta disciplina, que mezcla el arte y la terapia es importante observar su contexto histórico.
En 1919 Hans Prinzhorn de profesión psiquiatra, publicó un estudio sobre salud mental que proporcionó una colección de obras de personas que se encontraban internadas en el psiquiátrico. A partir de esta iniciativa intelectual, muchos artistas de vanguardia comenzaron una carrera para cimentar la unión entre los mundos del arte y la psiquiatría de los años treinta.
Otro psiquiatra que se  dedicó a indagar el vínculo del arte y la terapia fue  G. Ferdière (1907-1990) que trabajó en el hospital de Sainte-Anne donde tuvo contacto Jean Vinchon autor de L’Art et la folie (1924), con Jacques Lacan que le precedió como interno en el hospital, Antonin Artaud que fue paciente suyo, diagnosticado de esquizofrenia aguda, y temiendo que muriese de desnutrición en 1943, Ferdiére consiguió su admisión en Rodez, animándole a escribir y a dibujar. Artaud es un ejemplo destacado de escritor de categoría con graves trastornos de la personalidad.
Desde mi punto de vista estas indagaciones en el campo del arte y la salud mental, son parte de la integración del  psicoanálisis en los temas salud. La inclusión de esta disciplina aportó una nueva mirada de la salud mental de los seres humanos, lo que hoy es llamado  la anti psiquiatría, que a su vez facilitó la indagación a estas disciplinas construyendo todo esto un nuevo paradigma. Lo anterior llevó a la valoración artística de obras de no- profesionales, el interés de los artistas por explorar su inconsciente y exponer sus hallazgos,  y como último elemento  despertó la curiosidad médica por conocer las relaciones entre lo psíquico y las expresiones artísticas; lo que lleva a considerar su utilización como herramienta de diagnóstico, y su implementación para el uso terapéutico.
Prinzhorn estableció una relación directa entre la psique y las artes visuales. Esta idea se ejemplifica, por ejemplo en artistas de la talla de Klee, quién destacó al loco como habitante de un mundo intermedio entre los mundos que perciben nuestros sentidos, planteando que «el arte no reproduce aquello visible, sino que lo hace visible».

Que es Arteterapia

El Arteterapia es definido por la Asociación Británica de Arte Terapeutas[1] como una forma de psicoterapia que usa el medio artístico como su forma primaria de comunicación. Los pacientes que son derivados a Arte Terapia no necesitan experiencia previa o formación en arte. El arte terapeuta no está llevado a hacer diagnóstico o asesoría estética de la imagen del paciente, lo que se busca es en definitiva, lograr que el paciente a efectúe cambios y crecimientos en un nivel personal, motivado por el su propia creación artística, esto a través del a través del uso de materiales artísticos en un entorno protegido y facilitador.
“Actualmente, ninguna teoría específica fundamenta el Arteterapia. Las concepciones y las teorías son muy diversas”(Delage y Barberis- Bianchi, 2003, p 99)”. Desde mi punto de vista, lo dicho anteriormente, es lo que contribuye a su carácter interdisciplinario, conformando en su origen, por una base psicoanalítica y por las aportaciones de las Vanguardias Artísticas y de la corriente expresiva dentro del contexto de la Educación artística. Esto, reforzado por la contribución de las nuevas concepciones de la creatividad y la adopción de distintas corrientes psicológicas: humanistas, cognitiva, conductual, multimodal. Factores que convierten al Arteterapia, desde su perspectiva conceptual y profesional, en una disciplina con una amplia gama de enfoques teórico – metodológicos.   
Wadeson  en 1987 plantea que la terapia de arte es a la vez una herramienta y un lenguaje analógico (no verbal). Su actividad principal es la creación y la exploración de imágenes dentro de una relación terapéutica de tres factores (Obra – paciente – terapeuta), por ello no es condición saber dibujar ya que la imagen y el objeto de arte son consideradas de valor emocional y vivencial.
A mi parecer el Arteterapia, como cualquier proceso terapéutico se fundamenta en la construcción de un vínculo suficientemente fuerte que permite el desarrollo de una relación de ayuda. El vínculo terapéutico, puede ser definido como el compromiso interpersonal o alianza entre paciente y terapeuta, que refleja las contribuciones a la calidad y atmósfera global del proceso entre dos que emerge, Orlinsky (1994)
A través del Arteterapia, las personas tienen la oportunidad de poder comunicar a los demás sus sentimientos y sus necesidades de una forma más perceptible. Es entonces, de gran beneficio para el crecimiento tanto físico y mental, de las personas, ya que contribuye al desarrollo y la confianza en sí mismos, y a que obtengan resultados satisfactorios para su salud.





[1] BRITISH ASSOCIATION OF ART THERAPISTS. [en línea] <www.baat.org/art_therapy.html> 

viernes, 5 de julio de 2013

El cuerpo como sostén de nuestra conciencia



El cuerpo humano en el arte

En el arte, la representación del cuerpo humano ha tenido grandes momentos; pero sin duda uno de los momentos clave, es la representación en forma perfecta de la figura humana, la sublimación de esta, llevada a cabo por el Arte Griego Clásico.
En la Prehistoria la figura humana era representada por medio de dibujos que muestran líneas sintéticas, en donde era posible distinguir la fisonomía del cuerpo, aunque se aprecia una desproporción y simplicidad en el trazo.
El Arte Romano Clásico muestra cuerpos en acción de movimiento, en fiestas y acontecimientos sociales con la finalidad de ritos religiosos. Años más tarde durante el auge del Cristianismo  la representación del cuerpo es simplemente mostrada como una figura rígida y achatada para eliminar cualquier  tipo de distractor a quien observara la imagen.
Unas de las épocas más relevantes, desde mi punto de vista, es la del Renacimiento, ya que en ella, el cuerpo fue representado desde la realidad y la sublimación del mismo, retomando la importancia del ser humano y dejando de lado a dios como elemento central de las imágenes, es en este período, cuando la representación del cuerpo humano adquiere una  real importancia, en la creación artística.

La deformación del cuerpo en el arte como una herramienta creativa

La deformación de la figura humana se utiliza como un recurso estético.  Se hace uso, de y a partir de la distorsión de la figura corporal, desde mi punto de vista con la finalidad de resaltar, crear o puntualizar una parte del cuerpo y así representar lo que el artista desea transmitir al espectador.
En mi caso como artista Visual, mis trabajos pretenden proyectar que el cuerpo es plástico; es decir modificable ya sea de forma externa o interna, conformando el fundamento de la identidad y de los proyectos de vida de cada persona. Bajo este Mirada,  construyo mis creaciones plásticas las que me permiten reinventar el cuerpo y romper con los cánones establecidos, permitiéndome buscar incesantemente la re-creación de los modos de descomponer y/o deformar el cuerpo humano para volver a presentarlo nuevamente interpretado. En mi opinión, esto se contrapone a la realidad publicitaria del cuerpo, ya que esta,  consiste en desarraigar al cuerpo de lo natural, anular, borrar arrugas, el paso del tiempo, las manchas, las reservas de grasas, los efectos de la gravedad en la cara, las piernas,  cuello, etc.
La mirada publicitaria del cuerpo construye  una estética que  se encuentra respaldada en todo aquello que elimina las huellas de la naturaleza, las huellas naturales del cuerpo, lo replantea con otros elementos, como el vestuario; vestidos, calzado, joyas y peinados; lo que, creo, plantea un patrón estético irreal. Un hombre deportivo, una mujer delgada y sin mucha visión de la construcción de una familia.

Las figuras desproporcionadas llenas de color que se pueden observar en mis creaciones  pretenden concebir un pequeño  mundo en cada espectador, presentando una perspectiva del cuerpo diferente ya no como una realidad exterior y estética o un cuerpo vacío, sino que permitiendo que cada espectador sienta que el cuerpo es una batalla donde intervienen muchos intereses económicos, sociales, sexuales y familiares, pero que perciban, a su vez, que cada ser humano debe dejar un espacio a otra forma de entender nuestro cuerpo, con voluntad, para dejar de ser espectadores, y de esa forma construir una  visión del cuerpo como el sostén de nuestra conciencia.

LO ABYECTO: UNA FORMA DE RELACIONARSE CON EL CUERPO




Introducción

En este Pequeño estudio pretendo analizar el cuerpo como una forma de arte. ¿Qué pasa cuando se presenta un cuerpo no como objeto sino como arte? El lado Erótico fetichista ya no resulta atractivo y en su lugar produce miedo e intimida. La Vulva o el Pene son imágenes agresivas pero llenas de cargas simbólicas que el artista emplea de forma transgresora para devolverla a la sociedad. Según Marga Van Mechelen “La Abyección se conecta con las fases del proceso constitutivo: oral, anal y genital. Esas aberturas del cuerpo humano funcionan como borde entre lo que pertenece al cuerpo y lo que, por incumbir al mundo exterior, debe ser considerado un objeto. Kristeva distingue tres categorías de cosas que, según las circunstancias socio-culturales, se consideran abyectas: comida/residuos (oral), desechos corporales (anal), y signos de la diferencia sexual (genital). De modo casi literal, vemos estas categorías en las obras de arte, antes mencionadas”
En base a este  análisis realizaré un breve ensayo que tiene dos subtemas; el primero de ellos es un breve marco histórico del arte abyecto que pretende contextualizar de donde provienen los orígenes, el segundo subtema procura dar una escueta mirada de cómo tres artistas se apropian del cuerpo femenino para reivindicar una forma de lucha a través del arte

Breve contexto histórico del arte abyecto

Según  el diccionario de la lengua española abyecto es lo rechazado, lo expulsado; este significado permite comprender que lo denominado abyecto es un concepto del cual se desprende una reacción  humana de asco y  repugnancia, sensaciones que  en las manos de un artista pueden llegar a tomar ribetes de una frontera entre el ser humano y el mundo de lo rechazado lo marginado y lo horrible. Todo  sistema social se dota,  a sí mismo de una estructura de control, que le ayude a mantener el orden moral instaurado, es decir, sublima lo que no es aceptado por la sociedad.
“El arte corporal no es en ningún caso una nueva receta artística destinada a inscribirse en una historia de arte fracasado. El arte corporal es exclusivo, arrogante, intransigente. No mantiene relaciones con ninguna forma supuestamente artística si de entrada no es declarada sociológicamente o de forma crítica. El arte corporal derriba, rechaza y niega la totalidad de los pasados valores estéticos y morales  inherentes a la práctica artística, ya que la fuerza del discurso debe reemplazar a cualquier otro presupuesto del arte. Primer Manifiesto de Arte Corporal (París, 20 de diciembre de 1974), en Art corporel, gale´ria stadler, París, enero de 1975. Recogido por F. Pluchart, L’art corporel,pp. 60-61”
Desde mi punto de vista el autor se refiere en este párrafo, al seno del nacimiento de esta forma de crear, que rompió con cánones estéticos que hasta ese momento eran reconocidos.  En el texto se afirma que esta forma de hacer arte  nace producto del disgusto,  la molestia de muchos artistas por el rumbo que había adquirido hasta ese momento  la creación artística,  la que se encontraba orientada hacia lo decorativo, situación que producía un aislamiento del arte con respecto a la sociedad, donde no se lograba registrar la enfermedad de la sociedad o simplemente no permitía que el arte denunciara los conflictos  subyacentes. Entonces podríamos decir que el arte corporal y todo lo que deriva de él se produce como la cura para la enfermedad de la sociedad, que en ese momento histórico no podía no ser reconocida,  los conflictos sociales estaban en todas partes en desórdenes callejeros, discusiones políticas y culturales del año 1968.
“También habría que resaltar el hecho de que los artistas norteamericanos partieron por lo común de conceptos de creación artística próximos al mínimal y al conceptual, y que los europeos, sin duda influidos por los accionistas vieneses, realizaron trabajos corporales en los que predominan los aspectos dramáticos, masoquistas y sadomasoquistas no ajenos, por otra parte, a las relecturas de Sigmund Freud.[1]
Respecto a la relación de lo abyecto con el psicoanálisis podemos decir que  lo abyecto como categoría estética se inspira en la noción psicoanalítica de abyección, tal como la formula Julia Kristeva en su obra Poderes de la perversión[2], describe la expulsión de lo considerado abyecto como una condición necesaria para la formación sexual, psicológica y social de la identidad. En palabras más simples la niña o el niño deben renunciar a una parte de si para transformarse en “yo” un ser más autónomo, donde se debe aprender que la caca, la orina y el vómito son sustancias sucias y no objetos de placer. En esta etapa la madre o cuidadora juega un papel importante ya que es quien le enseña que estas sustancias son sucias, además de enseñar lo relativo al aseo personal, pero incluso la madre a  su vez también es un objeto que el hijo debe ir abandonando.
Posteriormente  según Foster, lo abyecto manifiesta la fragilidad del pasaje temporal entre el cuerpo materno y la ley del padre. el arte abyecto, permite la reflexión artística sobre el cuerpo, esto es: Analizando el cuerpo violado, tanto en el sentido quebrado o en lo profano, representado a través de residuos de violencia, restos de heridas físicas, vestigios de dramas psíquicos emocionales y de forma general situaciones e insatisfacciones al modelo establecido. En palabras  del propio Foster, “a esta luz, el movimiento de la mierda en el arte contemporáneo puede pretender  una inversión simbólica de este primer paso en la civilización, de la represión de lo anal y lo olfativo. Como tal, puede también pretender una inversión simbólica de la visualidad fálica del cuerpo erecto como modelo primario de la pintura y la escultura tradicionales: la figura humana como a la vez tema y marco de representación en el arte occidental
Sin profundizar mucho en este tema, se puede decir que, durante los noventas y en la actualidad el arte realizado a través del cuerpo, partió de la hipótesis de que el arte no puede ser imaginado en términos de asepsia formal, sino como lugar en el que los artistas deben enfrentarse con el sexo, la agresividad, la represión y la muerte.

Apropiación del cuerpo: mirada femenina

Analizando el tema del cuerpo como expresión de arte, no puedo pasar por  alto el trabajo de artistas mujeres, que impusieron una mirada del cuerpo a través de su quehacer, especialmente en momentos donde se instala el feminismo a partir de la diferenciación de género y críticas hacia un discurso que solamente tenía la visión masculina, además cuestionando la representación del cuerpo femenino a lo largo de la historia. Cuestionar  el uso del cuerpo de la mujer es uno de los temas utilizados para construir otra forma de mirar el cuerpo y su relación con él. Tomare tres artistas que profundizaron el tema, cuestionando la objetualización que se hace del cuerpo femenino y de los roles de subordinación, la dependencia de la iniciativa y la acción masculina. Cada una de estas artistas, desde su visión fue capaz de establecer un discurso que se convirtió en un espacio simbólico en el quehacer de la mujer, donde se pretende  romper con la visión estereotipada  que la sociedad  en general ejerce con las mujeres,  como objeto de placer y los cánones de belleza que se imponen a través de los medios de comunicación.
El primer caso es el de  Carolee Schneemann artista plástica que es conocida por instalar el tema femenino centrado en la sexualidad y el orgasmo. Ella inicia su trabajo en los 70, debemos tener en cuenta que durante esa época el tema femenino no se encontraba situado como en la actualidad, podríamos decir entonces que ella desde el mundo de las artes contribuyo y pudo ser un factor determinante en el tema de la liberación femenina y del arte feminista a partir del cuerpo. Su discurso se sitúa en el cuerpo femenino centrado en la investigación personal que ella construyo, en torno a lo tradicional de lo falocentrico[3] del arte y lo que se tiene del cuerpo femenino como objeto y fetiche. Esta artista plantea “He pensado sobre mi  vagina en muchas maneras… físicamente, conceptualmente, como forma escultórica, como referente arquitectónico, la fuente de conocimiento sagrado, éxtasis, el pasaje del nacimiento, transformación”. Carolee, cuestionó directamente algo que por  siglos ha  existido, y es la visión estructurada en torno al falo, que imagina la vulva como algo bello, consideremos  que en la historia del arte lo femenino está tocado con mucha delicadeza y como objeto de los hombres para satisfacer su sexualidad, comprendiendo esta mirada de la sexualidad donde schneeman se dibuja poco atractiva,  considera juegos simbólicos con la vulva que fueron muy rupturístas, me atrevería a decir que nunca antes una mujer había sido tan abierta para plantear el tema. Pocas veces antes una mujer estuvo “abierta de patas” en imágenes expuestas públicamente como lo realiza Schneemann. Ella ha propuesto una nueva contemplación del cuerpo femenino,  donde  no se abandona lo erótico del cuerpo sino que lo reinventa. Otra artista pionera que trabaja con el cuerpo y que construye un nueva forma de apreciar lo femenino es Hannah Wilke, quien realizaba performances, esculturas que eran registradas en fotografías, su cuerpo y su vagina fueron una forma de reivindicación que permitieron la unión entre lucha y arte. Se observa en sus trabajos que quería romper con la noción femenina de la belleza, su cuerpo desnudo despertaba la mirada ansiosa de la sexualidad, pero sus intervenciones en el cuerpo registraban un cuerpo que estaba propenso a sufrir heridas y cicatrices. Su importancia radica según Chadwick[4] que “formó parte del primer grupo de mujeres que representaron su feminismo en sus propios cuerpos de modo tal que se establecieron conexiones entre su práctica y el arte corporal de los artistas varones”
La última de estas tres artistas feministas que tomaron el cuerpo como una forma de reivindicar lo humillado  y estereotipado del cuerpo femenino, es Bárbara Kruger la que tiene como punto de partida de su obra, el cómo los medios de comunicación utilizan el cuerpo de forma estereotipada para transmitir un mensaje, que construye una realidad donde se norman roles fijos de cada sexo y se acepta la violencia diaria que constantemente es recreada por el lenguaje y las imágenes.
Desde distintos puntos de vistas estas tres artistas logran la unión del arte y la lucha a través del cuerpo construyendo un cuerpo femenino que no pierde justamente, la feminidad, sino que destaca su esencia más pura a través de mostrar las masturbaciones, las sensaciones orgásmicas, trasgredir lo estereotipado de  lo femenino hasta llegar a lo abyecto de lo femenino, es decir a intimidar para que de esta forma se conozca la más pura esencia de lo femenino.

Conclusión

Estamos acostumbrados a trabajar con lo imaginativo, lo fantasioso y no con la dura realidad y menos que esta se encuentre expuesta a través del cuerpo, cuando ocurre es traumático, considero que el arte abyecto se encuentra en una frontera que es resguardada por una delgada línea que en cualquier momento puede traspasar lo sublime y en otro momento lo agrasivo y traumático. La Intuición del artista es conquistar esta delgada línea donde se logre exponer la comida/residuos (oral), desechos corporales (anal), y signos de la diferencia sexual (genital) de tal forma que se permita la aceptación de lo sublime.
A través de la pretensión histórica de lucha de lo femenino destaco como la mujer a través del arte pretende apoderarse del cuerpo seleccionando tres artistas que sentaron el tema, considero que en su quehacer artístico las mujeres permiten ver claramente lo traumático y lo abyecto, esta conclusión también es reconocida, Julia Kristeva refiriéndose Lacan, a “un encuentro traumático con la realidad que se resiste a lo simbólico” y kristeva, a lo abyecto como “una condición que altera la relación sujeto-objeto…como aquello que afecta a la fragilidad de nuestras fronteras…”  Guasch, se refiere al trauma como : “…una recuperación del surrealismo, por la vuelta al psicoanálisis y una subjetividad unida al concepto de individuo psicológico…”
Considero que el arte abyecto nos permite a las mujeres construir una apropiación del cuerpo de forma imaginativa, liberadora sublime, ya que siendo el cuerpo femenino, frágil por naturaleza, se revela, mediante este arte, en contra de su misma naturaleza, construyendo, de esta forma un discurso transgresor,  liberador y creador.

Catherine Sepúlveda Cáceres


Bibliografía
Chadwick, William: Mujer, arte y sociedad. 2000, Barcelona, Destino.

Guasch, Ana María, El arte último del siglo xx del posminimalismo a lo multicultural, Madrid 2002 alianza Forma.
Julia Kristeva, Poderes de la perversión, primera edición en español 1988, catálogos editora.

Jordi Massó Castillo, del arte abyecto al arte de la comunidad, universidad complutense de Madrid

Marga Van Mechelen, El arte abyecto, Traducido por Hilia Moreira, revista al tema del hombre
relacion@chasque.apc.org






[1] Guasch, Ana María, El arte último del siglo xx del posminimalismo a lo multicultural, Madrid 2002 alianza Forma. pp. 94, 499
[2] Julia Kristeva, Poderes de la perversión, primera edición en español 1988,catalogos editora.
[3] Centrado en lo fálico
[4] Chadwick, William: Mujer, arte y sociedad. 2000, Barcelona, Destino.pp 367

ANTECEDENTES DE LA AUTORA


PROFESORA DE ARTES PLÁSTICAS, LICENCIADA EN EDUCACIÓN
Universidad de Playa Ancha Valparaíso

POSTÍTULO DE ARTE MENCIÓN ARTE TERAPIA.
Escuela de Posgrado Facultad de Artes  Universidad de Chile

MAGÍSTER EN ARTE MENCIÓN EN PATRIMONIO (c)
Universidad de Playa Ancha Valparaíso

ANTECEDENTES ACADÉMICOS:

2013 Adjudicación Beca Fondart 2013, para estudios de Postítulo de Arte Mención Arte Terapia

2012 Gestión y adjudicación Proyecto FAE “Compañía Silencios de Papel” realizado en el colegio San Francisco de asís para niños sordos.

2010 Adjudicación Fondart “cuentos y leyendas ancestrales” realizado en el colegio San Francisco de Asís Para niños sordos.

2008  Exposición colectiva itinerante “Vestigios” que concluyó en el mes de diciembre en la Casa Simón Bolívar, Cuba

2008  Exposición en la sala de Artes del Diario La Nación

2006 Exposición “Por mis venas corre sangre” de  pinturas en el café Geotrópico

2004 Adjudicación  del Proyecto “Encuentro étnico con nuestras raíces mapuches” financiado por el ministerio de Educación y Auspiciado Por la Universidad de Playa Ancha. Creación de dos reproducciones escultóricas de cuatro metros de alto denominadas por el pueblo mapuche “CHEMAMULL”, gente de madera emplazadas en la Facultad de Arte de la UPLA

2004-2005  Realización de la tesis para obtener el título    de Profesora de Artes plásticas  denominada “Recuperación de los Chemamüll como una manifestación ritual plástica y de identidad del Pueblo  Mapuche” Investigación escultórico que se realizó en Comunidades Mapuches de la  Región de la Araucanía.  Aprobada con distinción máxima

2002      Seleccionada en Beca del Ministerio de Educación (Mineduc)

2002- 2003    Participación y organización en la “Exposición  Colectiva de escultura” en el marco del Festival Víctor jara              

2003   Adjudicación y Gestión de la “Anual de estudiante de Arte de la universidad de Playa Ancha” financiado por los proyectos estudiantiles de la Universidad de Playa Ancha.

2001 Adjudicación y Gestión del proyecto “Encuentro Nacional de Estudiante de arte” proyecto financiado por Asuntos estudiantiles de la Universidad de Playa Ancha